domingo, 31 de diciembre de 2017

THE DISASTER ARTIST

INCOMPATIBILIDAD

De vez en cuando, cuando Hollywood se mira el ombligo y hace cine sobre el cine, vienen a la memoria algunos títulos espléndidos. Este no es el caso. Esta película es un relato de como se llegó a hacer (un "making of") una de las películas más estúpidas de todos los tiempos, luego convertida, vaya usted a saber porque, en un film de culto, "The Room", escrita, dirigida, producida e interpretada por un tal Tommy Wiseau del que apenas se sabe nada, salvo que tenía mucho dinero y una carencia total de talento. Ahora, no se trata de un "biopic", como por ejemplo la espléndida "Ed Wood", sino de una sucesión de escenas de un rodaje caótico e incongruente, carentes del menor sentido.
Poco se nos explica fuera de lo expuesto. Ni del personaje central, que como consecuencia de un accidente se ha convertido en un despótico tarado con problemas de comunicación, ni de su amistad con un actor en ciernes que unas veces aparece como víctima y otras como parásito.
Manifiesto mi total incapacidad para entender lo que veo, no lo pillo. Hablar de esta película como de una comedia, me parece fuera de lugar; si provoca alguna risa viene acompañada por una incómoda sensación de culpabilidad, como si estuviera riéndome de un lisiado. Esto es una tragedia sin drama que, como única emoción, solo suscita en mí la compasión.

domingo, 10 de diciembre de 2017

EL SENTIDO DE UN FINAL

VIAJE POR LA MEMORIA
Ritesh Batra, tras su notable "The Lunch Box", toma ahora una novela de Julian Barnes para bucear en el pasado de Tony Webster (Jim Broadbent), un jubilado divorciado al que su especial forma de ser ha convertido en una persona insensible y hermética, incapaz de experimentar emociones o empatizar con su entorno. La extraña herencia de la madre de una antigua novia, el diario de su íntimo amigo en su época de colegial que acabó suicidándose, le obligará a revisar aquel periodo de su vida.
Película íntima, introspectiva, en la que el director obliga a su protagonista a volver a recorrer el camino de sus recuerdos, unos recuerdos que el tiempo ha ido alterando para que se acomoden a lo que a él le gustaría que hubieran sido, utilizada esa alteración como único recurso de supervivencia, y no a lo que fueron en realidad. Pero solo el reconocimiento de la verdad permite enfrentarse con dignidad al tiempo que le queda por vivir.
Espléndido guión de Nick Payne así como el ritmo que impregna todo el relato al que unos intérpretes (Emily Mortimer, Charlotte Rampling, Frida Major, Michelle Dockery...etc.) además de Broadvent, dotan de la ambigüedad y pasión necesarias. 

sábado, 9 de diciembre de 2017

EL AUTOR

PASARSE DE ROSCA
Pasante en una notaría, Alvaro (Javier Gutierrez) aspirante a escritor y envidioso de su ex-mujer (Maria León), exitosa autora de "best sellers", decide escribir una gran novela. Desprovisto absolutamente de imaginación y talento, descubrirá a través del profesor de las clases de escritura creativa a las que asiste, que solo la transcripción casi literal de la realidad (una áspera discusión con su esposa), merece el elogio deseado. A partir de ese momento, se dedicará a manipular las vidas de los vecinos del inmueble en que vive con el fin de trasponer esa nueva realidad creada por él a la obra que intenta escribir.
Podría haber sido un "thriller" psicológico, de hecho el ritmo de la acción se presta a ello, pero Martin Cuenca, director y coautor del guion basado en una novela de Javier Cercás, elige el camino de la introspección personal, llevando las situaciones a extremos surrealistas en las que afloran los peores sentimientos del ser humano y actitudes del protagonista rayanas en la locura, capaz de destruir la vida de los que le rodean para conseguir sus propósitos. La negrura se transforma en un gris blanquecino ayudada por una pésima fotografía (tal vez inexplicablemente intencionada) y las buenas interpretaciones de Javier Gutierrez y el resto de actores, se desperdician en un producto que nunca acaba de definirse y que contiene, supongo que para mostrar un incontenible deseo del director de epatar a los espectadores, un par de escenas tan crudas y fuera de lugar, como para que pueda considerarlas entre las más visualmente desagradables del cine español.

domingo, 3 de diciembre de 2017

PERFECTOS DESCONOCIDOS

MUCHO Y NADA
Alex de la Iglesia nos obsequia con una deslumbrante exhibición de interpretaciones (Eduard Fernandez, BelénRueda, Ernesto Alterio, Juana Acosta y Pepón Nieto), en esta cena de tres matrimonios de mediana edad  más un amigo, en el que un banal juego con sus teléfonos móviles sirve para sacar a la luz la amargura de sus frustraciones, los más íntimos secretos y las turbias relaciones entre ellos. Todo ello contado con la suficiente sutileza para que las risas que provocan determinadas situaciones no sean suficientes para ocultar o enmascarar los dramas personales.
Sucede sin embargo, que la contemplación del eclipse de luna, motivo para la reunión, sirve para introducir un cierto realismo mágico que no lleva a ninguna parte más que para justificar un final acomodaticio que pone en solfa todo lo que hemos visto, al dar a entender que todo ha sido un producto de la imaginación  de una de las protagonistas. No sé si esto proviene de la versión original, pues la película tal y como se acredita es un fiel "remake"  de una italiana, pero cuando acaba, uno sale con la impresión de que o ha faltado valor para dar a la narración su lógico final o le han tomado el pelo con un bonito envoltorio carente de contenido real.Sucede como en el estrambote del viejo soneto cervantino:"...caló el chapeo, requirió la espada, miró al soslayo, fuese y no hubo nada.

domingo, 26 de noviembre de 2017

LA LIBRERIA

LIBROS
¡Que hermosura!¡Cuanto amor a lo que significa un libro, al placer que proporciona una buena lectura! Isabel Coixet cuenta en cine la novela de Penelope Fitzgerald, la historia de la joven viuda de guerra Florence (Emily Mortimer), empeñada en abrir una librería en una pequeña población costera de la Inglaterra de 1959, una comunidad dominada por una cacique, lady Gramar (Patricia Clarkson), que teme que por ese camino de la lectura se escape una de las fuentes de su influencia.  Florence solo dispone como armas para enfrentarse a esa situación su coraje, su esperanza de futuro y las ayudas de un hombre solitario (Bill Nighy), que desprecia a esas pseudo fuerzas vivas y que solo vive gracias a la lectura, y una niña, Christine (Honor Kneafsey), a la que contrata como ayudante y que va a ser la que muchos años después, cuando disfruta de la vida que los libros han abierto para ella, nos vaya desgranando en imágenes unos recuerdos vistos a través de sus límpidos ojos infantiles.
La sutil puesta en escena de Coixet cuenta esta historia con rara emotividad, con el enorme cariño que le despiertan sus personajes, pero sin buscar evitar la dureza del drama reflejado en los duros paisajes, en lo desapacible del clima, retrato preciso de la desolación y vaciedad que existe en el alma de ciertas personas, incapaces de apreciar la belleza y llenas de estúpidos convencionalismos. En toda su extensión, una espléndida dirección que además ha sabido incorporar a la misma  a unos actores que para participar en la emotividad del relato no tienen más que prestar su físico, como si sus rostros fueran lo único que ha permanecido intacto en la memoria de la narradora.

domingo, 19 de noviembre de 2017

HACIA LA LUZ

MIRADAS
Con su habitual ritmo pausado, Naomí Kawase narra la historia de Misako - una muchacha escritora que partiendo de los guiones de películas, los transforma en descripciones para su locución durante la proyección a personas invidentes - y su relación con Nakamori, un fotógrafo maduro al que una enfermedad degenerativa de sus ojos está privando progresivamente de la vista. Hasta aquí todo es perfecto: las palabras se transforman en imágenes, las descripciones se transforman en bellos poemas, como una sucesión de haikus, y Nakamori, un buscador de la belleza a través  de sus fotos, acabará por aceptar su próxima ceguera y admitirá que por el amor, esa belleza ya no estará en su mirada, sino en las imágenes que provocan las descripciones de Michiko.
Pero algo falla. La obsesión de Kawase por las personas de edad anciana, le hace introducir una segunda historia como es la relación entre Michiko y su madre, enferma de Alzheimer, que irrumpe en la trama principal, rompe la continuidad del relato y que acaba por resultar un añadido que nos siembra  dudas sobre lo que quería contarnos realmente.

domingo, 12 de noviembre de 2017

LA GRAN ENFERMEDAD DEL AMOR

GENTE
Kumail Nanjiani escribe e interpreta en clave de tragicomedia como conoció a su esposa Emily Gordon. Por medio de unos muy inteligentes diálogos y una narrativa admirablemente fluida del para mí desconocido director Michael Showalter, nos adentramos en el mundo de una familia tradicional pakistaní asentada en Chicago, en conflicto permanente con un mundo que ya no es el suyo y que se empeñan en conservar y en el que Kumail se siente extraño. Hay en este conflicto una crítica dura como también la hay en la relación con la familia americana de su pareja.
Pero la película ofrece mucho más que eso, porque bucea en la interioridad de sus personajes hasta hacérnoslos plausibles y entrañables, y todo y todos están bañados de amor y de humor, un humor que aligera el drama (como cuando aparece la enfermedad de Emily) y da gravedad a lo que es pura comedia, provocando nuestra risa. El resultado muestra una enorme sensación de frescura, de naturalidad, de pureza, algo insólito en el cine de hoy. Hay espléndidas interpretaciones, la del protagonista, la de Zoe Kazan, la de Holly Hunter y el resto de los actores. Estamos en Chicago pero  algo flota en el aire que nos retrotrae al Nueva York de Woody Allen. Y es que lo que recordamos, lo que permanece en nuestra memoria, es algo tan simple como difícil de transmitir, el poder contemplar el fluir de unas vidas. 

domingo, 5 de noviembre de 2017

EL TERCER ASESINATO

DUDAS Y CERTEZAS
Koreeda escribe y dirige su particular "Rashomon". Pero a diferencia del original, aquí no se trata de mostrar el punto de vista de unas personas sobre un mismo suceso, sino que hay una búsqueda de la verdad, una indagación profunda en la vida de las personas directamente implicadas y un más que inquietante análisis sobre el discurrir de la vida y la proximidad de la muerte.
No se trata en este caso de encontrar certezas sino de sembrar dudas. Las emociones, los sentimientos, el honor, los vínculos familiares que tanto explora el director, se imponen sobre lo que en apariencia, es un simple drama judicial cuyo resultado está decidido de antemano. Apoyado por excelentes actores, en una precisa fotografía y en un ritmo narrativo tan solemne y pausado como una tradicional ceremonia del té, esta obra ratifica la condición de autor de Koreeda en su mejor momento de creatividad.

miércoles, 1 de noviembre de 2017

HANDIA

FRUSTRACIÓN
El dúo Garaño-Goenaga sabe hacer cine, como ya demostraron en "Loreak", hermoso drama de sentimientos, y cine vasco además, enraizado en historias de esa tierra. Aquí han recogido la vida del gigante de Alzo, un casi "biopic" de uno de los hombres más altos del mundo, que se exhibió por media Europa allá por la primera mitad del siglo XIX.
Podría haber valido como melodrama, como expresión de los sentimientos generados por el hecho de ser "diferente" de los demás, por el conflicto que produce esa diferencia al chocar con el mundo normal, por el drama que supone la imposibilidad personal de adaptación a su entorno, por los sueños frustrados por esa condición, pero algo falla. La consciencia de estar haciendo algo que se sale de los caminos trillados, el deseo de acentuar ese hecho, hace que la película adopte una actitud de auto-complacencia, de "mira lo bien que lo hago", que se regodee en sí misma, lo que se traduce en un rebuscado esteticismo, en una frialdad que ahoga emociones y sentimientos, que solo parece centrarse en la actitud de unos personajes que buscan aprovecharse de su situación, sin ahondar en su intimidad o en sus dramas personales. El cine está ahí, en haberse atrevido a rodar una película sobre un gigante sin gigantes, en las bellas imágenes que pretenden hacernos olvidar la frustración de lo que podría haber sido y no llega a ser, pero uno acaba por echar de menos la sencillez y el calor que esperaba que se desprendiera de un relato como este. 

domingo, 29 de octubre de 2017

NUESTRA VIDA EN BORGOÑA

REENCUENTROS
Amable y bien intencionada comedia sentimental (no me atrevo a llamarlo melodrama) que no acaba de alcanzar sus objetivos porque el guión y la dirección de Cedric Klapisch es demasiado blando para sacar a relucir el potencial de esta historia del reencuentro de un hombre con sus hermanos tras diez años de ausencia, su vinculación con la tierra que les vio nacer y su amor por lo que sacan de ella. Lo que sucede es que hay un exceso de temas sugeridos que no acaban de resolverse y aunque el ritmo y la calidad de los interpretes, así como la parte documental, hacen que la película entretenga, da la sensación de que toda la narración es un simple esbozo de lo que querría ser, con algunos toques, como las conversaciones del hermano mayor con él mismo pero de niño, que bordean el ridículo.
Las relaciones con el padre recién fallecido, los problemas familiares y, sobre todo, el amor a la tierra y a ese vino que producen, merecían un tratamiento mucho más lúcido y riguroso.

domingo, 22 de octubre de 2017

AMOR A LA SICILIANA

ESTUPIDEZ
Comedia italiana estúpida, tanto como su título en español que desvirtúa el original ("A la guerra por amor"), y más aún porque su autor, Pierfrancesco Giliberto - actor. guionista y director - desperdicia dos temas que en otras manos, podrían haber resultado infinitamente más efectivos (la dedicatoria a Ettore Scola es casi un insulto a la inteligencia); la historia de un hombre que por amor se alista en las fuerzas expedicionarias norteamericanas para la invasión de Sicilia en la II GM y la entrega por dichas fuerzas del gobierno de la isla a la Mafia como autoridad civil.
La presencia casi constante del protagonista que roza la subnormalidad y cuya discutible gracia se ha visto considerablemente mermada por el doblaje, hace que todo se quede en un juego tonto que va perdiendo interés y acaba por aburrir. La dualidad comedia - tema importante nunca acaba de funcionar o llega a invertirse. Tan solo queda la buena intención de partida, y un pretendido crítico final, pero, como es bien sabido, el camino del infierno está plagado de buenas intenciones.

jueves, 19 de octubre de 2017

CONVERSO

OTRA COSA
Quizá podría llamarse documental, pero en realidad se trata de otra cosa, de un documento, al que eso que llamamos cine presta su formato, sobre unas personas, miembros de una familia, que ante una cámara narran o confiesan, lo que se prefiera, su reencuentro con la fe de Cristo. No hay nada más, ni nada menos.
Hay tanta sinceridad y sencillez, tanto sentimiento y emoción en sus palabras, que solo los necios pueden hacer oídos sordos a lo que se escucha. Todo se oye anhelante, deseosos de participar en esas creencias con la misma intensidad que ellos. Hay música, una música que tiene mucho que ver con lo que se dice y quizá, sea inseparable de todo porque constituye un lazo de unión entre esas personas y hace entender mejor lo que los une. Es una experiencia vital lo que se cuenta, un retrato intimo y conmovedor. Irrepetible. Comparado con todo ello, el cine es algo anecdótico, poco importante.  

domingo, 15 de octubre de 2017

EL JARDÍN DE JEANNETTE

UNA VIDA
Estúpida costumbre la de cambiar títulos: "El Jardín de..." oculta en realidad "Une Vie", la primera novela-folletón de Guy de Maupassant, un poderoso melodrama sobre la vida de una mujer de la pequeña aristocracia rural, en este caso Bretaña, de la Francia de mitad del siglo XIX . Y de eso se trata: de la vida de Jeannette, casada recién salida del convento con un hombre avaro, infiel y miserable que, gradualmente, le va arrebatando su alegría vital hasta dejarla reducida a luminosos recuerdos, lastrada además por un cúmulo de desgracias y por las tropelías de su único hijo, heredero de las peores taras de su padre.
Apoyándose en un cuidado reparto, en el que destacan Judith Chemla y Nina Meurisse,  Stephane Brizé, director y guionista, ha abordado la narración con fidelidad al original, aunque de forma intencionadamente fracturada, apoyándose en inteligentes flash-backs que permiten aligerar el periplo vital de la protagonista aunque sin poder evitar la acumulación de desgracias que, a pesar de ser indisolubles con el relato, constituyen por su reiteración, uno de sus defectos. En todo caso, su fiel retrato de la época, del papel de la religión sobre el comportamiento de las personas, la atención puesta de forma constante en los pequeños detalles, y, sobre todo, el valor de la amistad plasmada en la relación entre Jeanne y su criada-hermana de leche-amiga Rosalie, con la que la hemos visto compartir gozosos juegos juveniles. Una mujer fundamental, sensata y realista, ya que finalmente, es la que va a conseguir que la vida, aunque sea tardíamente, empiece de nuevo para ella y se abra a un futuro lleno de esperanza.

domingo, 8 de octubre de 2017

EL ÚLTIMO TRAJE

GRATITUD
Cine argentino y de buena calidad, es lo que Pablo Solarz nos depara con esta historia sobre un viejo judío que, arrinconado como un trasto  inservible por su familia bonaerense, decide volver a Europa para expresar su agradecimiento a la persona que salvó su vida cuando ambos eran muchachos, en la Polonia ocupada por los nazis. Este "road moovie" no es más que un pretexto para justificar su encuentro con una serie de gente que le ayudarán en su propósito.
La anécdota podría ser banal, pero la presencia de unos buenos actores, eleva la trascendencia del discurso a un sobrio estudio de la condición humana, no exento de humor, que acaba por embarcar al espectador en su periplo. Junto con un extraordinario, aunque excesivamente maquillado, Miguel Angel Solá y una espléndida Angela Molina, el resto del elenco hace creíble la improbable narración, pese a algún que otro agujero del guión. Conseguida la verosimilitud, la película se desliza con la suficiente suavidad para hacernos pensar en la soledad de la vejez, el significado de la verdadera gratitud y lo que todavía hay de bueno en el comportamiento del ser humano. 

domingo, 1 de octubre de 2017

BYE, BYE, GERMANY

QUEDARSE CORTO
A veces, estas películas pequeñas, de gente, al menos para mí, desconocida (en este caso el director Sam Gubarsky), deparan agradables sorpresas. En este caso, esa sorpresa se queda algo corta. Un guión demasiado plano, vacilante, que duda en que género debe encuadrarse la narración, oculta de algún modo el gran drama del genocidio judío en la Alemania nazi y solo pone un leve acento en el sentimiento de culpabilidad de los supervivientes por el hecho de haber sobrevivido, lo que les lleva a intentar aprovecharse de ese mismo sentimiento, esta vez el del pueblo alemán, por las atrocidades cometidas.
En el Francfort de 1946, esta amable comedia no sirve para ocultar la desgarradora tragedia que late alrededor de estos personajes. Parece quedarse en las triquiñuelas de unos simples timadores que buscan el modo de hacer dinero rápido para poder emigrar a los Estados Unidos. El relato en paralelo de acontecimientos pasados y sus actividades actuales, la ficción y la realidad, no acaban de encajar y la introducción de historietas amorosas, menos todavía.

domingo, 24 de septiembre de 2017

LA REINA VICTORIA Y ABDUL

FIABILIDAD
Stephen Frears es un director fiable: lo que hace puede estar bien o muy bien, pero casi nunca mal. Aquí, como atractivo añadido, cuenta con la presencia casi permanente de Judy Dench protagonista de este relato sobre los últimos años de la reina Victoria de Inglaterra y su extraño secretario-ayudante-maestro indio.Todo podría considerarse una crítica del colonialismo, del absolutismo con el que se regía un imperio o un acerbo retrato de la corte de St. James, como se organizaba o lo que se movía a su alrededor. Eso está, pero en un tono tan moderado, que apenas puede considerarse crítico. Hay un ataque más directo a la xenofobia británica pero, en cualquier caso, la película no va por ahí, está volcada en la relación entre dos personas, aparentemente muy distintas pero que, de forma sorprendente, encuentran un espacio común que deviene en amistad.
Frears ha mitigado mucho sus impulsos con el paso de los años, ha perdido acidez y ha ganado su parte comercial. En esta ocasión, lo que verdaderamente vale la pena, es contemplar a una Judy Dench increíble, en la cumbre de su arte interpretativo. Para unos no será bastante, para otros, entre los que me incluyo, es el principal atractivo de un producto simplemente entretenido. No más.

domingo, 17 de septiembre de 2017

CHURCHILL

SOLIDEZ
Si tuviera que definirla con una sola palabra, diría que esta es una película sólida: correctamente dirigida, muy bien interpretada (en particular por Miranda Richardson, John Slattery y todos los secundarios, mejor que Brian Cox que tiene tendencia a pasarse), y, como es tradicional en el cine inglés, maravillosamente ambientada.
Pero ¡Ay! por un lado se queda corta y por otro derrapa. Corta porque su escaso presupuesto no permite una sola escena bélica, que en algún momento serían absolutamente necesarias (sea Gallipoli o el Londres arrasado por los bombardeos, y derrapa porque el guion nos muestra a un Churchill no solamente opuesto a la operación Overlord por motivos humanitarios, sino totalmente alienado, enloquecido, y fuera de la realidad, incapaz de reconocer que su tiempo ha pasado y a punto de emprender la retirada, olvidando que volvió a ser elegido primer ministro en 1951. Tal y como lo vemos aquí, el país, no la guerra, está dirigido por su mujer. Hay que entender que resulta difícil hacer una película bélica sin que la guerra aparezca, y ahí es donde ese director de nombre casi imposible, Jonathan Teplitzky, fracasa, al presentar un protagonista por el que todo su entorno siente un considerable desprecio, olvidando su carisma personal y los logros que lo hicieron famoso.

domingo, 10 de septiembre de 2017

VERANO 1993

CINE Y MEMORIA
Según sus propias declaraciones, esta es una película autobiográfica de su directora y guionista, Carla Simón, cuando tras la muerte de su madre a causa del sida, pasó a vivir en la casa de sus tíos, una masía aislada en un pequeño pueblo de Gerona. Pero los recuerdos no son suficientes para hacer una película, hace falta algo más. En este caso se limitan a una serie de estampas, fragmentadas, que lo único que nos dicen es que la protagonista era una niña traumatizada, mimada y puñetera por decirlo suavemente. El guion no explica ni aclara las razones, ni justifica las tensiones familiares que aparecen. Esa familia que la acoge, ¿Quien son? ¿Qué hacen? ¿Por qué ellos y no otros? En ningún momento se recoge su adaptación gradual a su nuevo entorno, o se nos traslada su búsqueda de cariño o las razones que la motivan a hacer daño a los que la rodean.
La carencia de ilación, de continuidad, perjudica un relato de por sí oscuro, feísta y claustrofóbico. Los actores se limitan a estar ahí, sin más, solo su tía y su prima, la pequeña Anna, son creíbles, porque la protagonista es excesivamente inexpresiva y nunca refleja su tormenta interior. Desde un punto de vista aséptico, el resultado de todo esto recuerda el proyecto fin de carrera de una alumna brillante de una Escuela de Cine: buenas intenciones pero apenas se cumplen las expectativas. Aprobado justo.
PS. Salvo razones políticas, que no hacen al caso, su elección para los Oscar no la entiendo mucho, pero vaya usted a saber; a lo mejor gusta su exotismo.

domingo, 3 de septiembre de 2017

LOS CASOS DE VICTORIA

DESINHIBICIÓN
Desde hace ya algún tiempo, las comedias modernas, y en particular las francesas, han encontrado dos nuevos ingredientes: el sexo y la total desinhibición de sus personajes. Sucede así en esta película, un tanto incoherente, que se mueve entre su aspiración a ser un remedo de las de Woody Allen puestas al día, y las viejas "screwball" americanas. Todo en ella resulta caótico, como su protagonista, desprovista de toda moral y de cualquier inhibición, sin que la narración muestre el menor deseo de tener que explicar como y porqué ha llegado a ese extremo vital. Sino fuera porque ese papel está interpretado por Virginie Efira, capaz de enfrentarse con éxito a las situaciones más inverosímiles, el conjunto sería infumable, pero está ella, y su presencia, casi permanente, ilumina los 95 minutos que está en pantalla.
Con todo, eso no es suficiente para salvar el producto, porque para hacer una buena "screwball", y a la historia me remito, hace falta un talento del que Justine Triet, guionista y directora, lamentablemente carece.

domingo, 27 de agosto de 2017

LA SEDUCCIÓN

LA BELLEZA NO BASTA
Si la intención de Sofía Coppola era hacer un "remake" de la película de Don Siegel, bajo un punto de vista femenino, digamos que ha fracasado. El sutil terror que desprendía la primera versión, ha sido sustituido por una serie de preciosistas e intencionadamente compuestas escenas, que una maravillosa fotografía de Philippe Le Sourd resalta aun más, en las que la falta de profundidad de los personajes, pese a las notables interpretaciones de Kidman y Dunst, sus motivaciones más íntimas y la falta de una explicación que aclare las relaciones que hay entre ellos, dejan un regusto de vaciedad muy alejado del negro drama que podía preverse.
Hay un exceso de escenografía y una carencia de la grandeza de la tragedia. Sobra blandura y falta drama. Visualmente espléndida, resulta escasa de contenido.

domingo, 20 de agosto de 2017

CEZANNE Y YO

INCAPACIDAD
No conocía de nada a Daniele Thompson, autor del guión y la ¿dirección? de esta historia que narra, o al menos lo pretende, la amistad entre dos genios: el pintor Paul Cezanne y el novelista Emile Zola. Hubiera sido mejor seguir sin conocerle, pues no hay nada en esta película que profundice en el carácter de los protagonistas, en su espíritu creativo, que explique algo de sus motivaciones vitales o que retrate al menos el ambiente en que vivieron, el París glorioso de las últimas décadas del siglo XIX, en el que se renovaba la pintura y aparecían las primeras novelas naturalistas.
Y es que todo suena a falso, frívolo y superficial, destruyendo cualquier interés que el tema pueda suscitar, y lastrado además por una horrible dirección de actores (en particular el llamado Guillaume Gallienne de la Comedie Francaise que encarna a Cezanne), que hace que todo recuerde al odiado cine de "qualité", tan de moda en Francia en el siglo pasado, que dábamos por superado.

domingo, 13 de agosto de 2017

EL ÚLTIMO VIRREY DE LA INDIA

MENOS NO ES MÁS
El título original "The Viceroy's House" (La Casa del Virrey), se aproxima más a lo que Gurinder Chadha ha hecho con esta película. La independencia de la India en el mes de Octubre de 1947, su partición en dos estados con la creación del islámico Pakistán, la irresoluta cuestión de Cachemira y los oscuros e interesados manejos subyacentes por encima de las cuestiones puramente políticas, quedan totalmente minusvalorados ante el imperial esplendor del palacio del Virrey que casi parece el eje nuclear de la trama. Y es que un guion torpe hace que la narración carezca totalmente de tensión. Ni siquiera la relación amorosa entre Jeet y Aalia, dos servidores de palacio, ella mahometana y él hindú, contribuye a crearla. La parte documental tiene, eso sí, un interés histórico y está correctamente integrada, pero el relato cinematográfico no acaba de funcionar pese a las buenas interpretaciones (Hugh Bonneville, Gillian Anderson, Michael Gambon...etc.), y uno acaba contemplando todo con la frialdad de un observador de viejas estampas que retratan cosas en las que uno no ha participado y que, en contra de lo que debería ser, se le antojan muy remotas..

domingo, 6 de agosto de 2017

LA DECISION DEL REY

LO MEJOR DE UN HOMBRE
No es frecuente ver cine noruego y, menos aún, uno que trate de la historia reciente del país, como es el caso de su invasión por Alemania en 1940. Con este escenario, Erik Poppe, un director para mí desconocido que no se prodiga en exceso, construye un drama intenso sobre la dignidad, dignidad de un hombre, de la institución que encarna y del pueblo que lo ha elegido. Lo hace profundizando en la psicología de cada uno de los personajes, conscientes del papel que la vida y las circunstancias les obliga a representar, y esto no se refiere solamente al monarca, sino también a toda la gente que en algún momento participa en la situación, esposas, niños, políticos, militares, sin olvidar a un iluso embajador alemán que todavía cree en la fuerza de las palabras.
Existe un perfecto equilibrio entre ambas realidades, la humana y la bélica, aunque quizá en esta ultima hayan faltado recursos para narrarla de forma más explícita, y, por otra parte, una cámara demasiado bailona, confunde ocasionalmente al espectador en algunas escenas. Por el contrario, contar el origen de la monarquía noruega por medio de documentos originales en los primeros compases de la película es un hallazgo que nos ayuda a situarnos de forma inmediata en el contexto de la narración. En suma, una hermosa lección de historia, magníficamente interpretada y servida en todos los sentidos.

miércoles, 2 de agosto de 2017

AURORE (50 PRIMAVERAS)

POCA COSA
Esta es una película graciosamente imperfecta en grado sumo, y en esa imperfección radica un cierto atractivo. Es terriblemente femenina (que no feminista) porque trata de una mujer separada, que comienza a sentir los primeros síntomas de la menopausia, acaba de ser despedida de su trabajo y descubre que va a ser abuela. 
Retrata una crisis de edad y todos ellos son problemas serios en la vida de una mujer, pero Blondine Lenoir, su directora, con la complicidad de Agnes Jaoui, aquí actriz y co-guionista, los trata con suma ligereza y una realización excesivamente plana para no perder el tono de comedia. Un reencuentro con un antiguo amor arreglará las cosas.Como es tradicional en el cine francés, se habla demasiado y se profundiza poco. Entretiene, sin más. El final, rigurosamente plagiado del de "El Apartamento" de Wilder, no sirve para aumentar nuestro interés y elevar el nivel del relato, sino para mostrar sus carencias.

domingo, 23 de julio de 2017

DUNKERQUE

LA GUERRA EN SU CRUELDAD
Empiezo por confesar que, contra lo que muchos piensan, Christopher Nolan nunca ha sido santo de mi devoción. Ni "Origin" ni "El Truco Final", excesivamente barrocas, me llegaron a entusiasmar. (El Caballero Oscuro" no consiguió interesarme). Pero ante "Dunkerque", si lo usara, me quito el sombrero. Ha sabido contar este conocido episodio de la historia bélica de la 2ª GM desde los tres medios en que se desarrolló, tierra, mar y aire, con un estilo narrativo sorprendente que proporciona al espectador una visión global del conflicto y además le involucra plenamente en él. Únase a esto un ritmo trepidante que solo se detiene en cada individuo lo justo para mostrar lo que el drama de un conflicto como este puede hacer brotar de todo ser humano: lo peor y lo mejor de sí mismo.
Película espléndida, sin más imaginería que la necesaria, con una espléndida banda sonora y un elenco de actores soberbio que contribuyen a dar credibilidad al relato.

domingo, 16 de julio de 2017

SU MEJOR HISTORIA

AMOR Y GUERRA

Esta es una historia aparentemente sencilla que esconde en su interior una serie de temas profundos tratados con inteligencia y sutileza. Lone Scherfig sabe como hacer ese tipo de cosas, ya lo había demostrado en "Una educación", y aquí, con ese grupo de escritores contratados por el Ministerio de Información británico durante la segunda guerra mundial para escribir una película que contrarreste la propaganda nazi y levante el ánimo del pueblo inglés, tiene el campo perfecto para ello.
En esta tragicomedia se combinan astutamente el amor, la superación (tanto la individual como la colectiva), y las primeras escaramuzas de la reivindicación de la condición femenina. Cine dentro del cine admirablemente bien contado. Para eso, además de guión y dirección, se precisa de una ambientación impecable del Londres de 1940 y un conjunto de buenos actores entre los que Gemma Arterton destaca por su sereno encanto y el gran Bill Nighy ofrece un maravilloso recital. La película podría resumirse en una de sus frases:"el cine es la vida, cortadas las partes aburridas".

domingo, 9 de julio de 2017

DIA DE PATRIOTAS

DE DRAMAS Y PERSONAS
Usar un hecho conocido como el atentado a la maratón de Boston, del que además sabemos sus secuelas, siempre tiene sus riesgos. Desde el punto de vista de la narración cinematográfica no basta con que su parte documental esté conseguida, eso es fácil, existen numerosas grabaciones del hecho; para emocionar hay que profundizar en las personas, en sus sentimientos, en como un acontecimiento tan dramático les afecta. Lo entendió muy bien Kathryn Bigelow en "Zero dark Hour".
Este no es el caso de Peter Berg, que pasados los primeros momentos, justo hasta después del atentado, se lía en una larga y farragosa exposición de persecuciones que a uno le dejan completamente frío y acaban por aburrir. Seguro que las cosas fueron así, tal y como nos las cuenta, pero eso no es suficiente para hacer una buena película y se tiene la sensación de que no solo se ha desperdiciado un tema sino también el talento de unos buenos actores.

jueves, 29 de junio de 2017

WONDER WOMAN

SUPER HEROES
Aun siendo coleccionista de clásicos, la transposición al cine de los super-heroes del comic , con alguna excepción como el primer "Spider man", no suscita mi entusiasmo. La sobre abundancia de efectos especiales y unos argumentos perfectamente inanes, me aburren en su gran mayoría.
En este caso, debo reconocer que esta precuela (seguro que habrá más) que narra los orígenes de Wonder Woman, ha logrado entretenerme. Quizá se deba a que aquí hay al menos una historia que contar que se ha reflejado en un guión bastante solido en el que no faltan las pinceladas de humor, y en la dirección de Patty Jenkins, que ha imprimido el ritmo adecuado a la narración. Además la protagonista, Gal Gadot, tiene la necesaria prestancia física y el resto de los actores cumple bien su cometido. En resumen, el producto final tiene más interés que casi todas las películas de super-héroes que tanto proliferan y que, a juzgar por los resultados, es lo único que se les ocurre a los productores de Hollywood para seguir atrayendo espectadores al cine.

domingo, 18 de junio de 2017

PARIS PUEDE ESPERAR

ELEANOR NO ES FRANCIS FORD NI TAMPOCO SOFÍA
Por culpa de una otitis, la mujer de un famoso productor cinematográfico (Alec Baldwin), se ve obligada a aceptar que uno de los socios de su marido la lleve a París desde Cannes en su coche. Lo que podría ser una "road moovie" en la que alguno o ambos protagonistas descubrieran su auténtico interior o entablaran una relación que diera un nuevo sentido a sus vidas, se transforma en una hortera excursión turística y gastronómica carente totalmente de interés. A los diez minutos de película, uno siente profundos deseos de matar al acompañante francés (Vincent Audiard) y rescatar a la pobre Diane Lane de las garras de semejante estúpido. Hay escenas de relleno y otras que suscitan vergüenza ajena. 
Eleanor Coppola, fabricante de este engendro, quizá se haya divertido rodándolo o disfrutado de buenas comidas de cocina francesa tradicional (nada de nouvelle cuisine), pero el cine es otra cosa. Solo se soporta la madura belleza de Lane y unos bonitos paisajes. No hay más.

domingo, 11 de junio de 2017

LAS CONFESIONES

POCO RUIDO, MENOS NUECES
Una reunión del G-8 en un lujoso balneario de la costa alemana del Báltico, le sirve a Roberto Andó para fabricar esta mezcla de "thriller" y cine de denuncia que nunca acaba de convencer. La inclusión de dos personajes ajenos al mundo de la economía mundial, un fraile y una escritora, no hace más que añadir confusión al mensaje que la película pretende transmitir.
Una cuidada fotografía, actores como Toni Servilio o Daniel Auteil junto con la madura belleza de Connie Nielsen, hacen lo que pueden, pero no es suficiente para superar el exceso de prosopopeya,  la artificial estética del peor Fellini y una lentitud narrativa que aburre por su reiteración. Al final, uno se da cuenta que todo ha sido un pretexto para que el fraile pueda soltar su discurso anti-globalización y, para que quede más claro, se le añade un toque angélico.

domingo, 4 de junio de 2017

NORMAN. EL HOMBRE QUE CONSEGUÍA TODO

INDIFERENCIA
No sé quien es Joseph Cedar, director y guionista de esta película, pero lo que sí sé es que ha destrozado una idea razonablemente original, potencialmente atractiva, mediante un guión confuso y estúpido y una realización nefasta que como único aliciente, tiene que recurrir a viejos trucos (superposición de imágenes, ralentis, pantallas divididas...etc.), con la intención de resolver escenas que por su planteamiento, carecen de solución. Richard Gere hace todo lo posible para dar vida a este "Don Nadie" que representa un personaje que solo existe en su imaginación y que pese a sus esfuerzos, nunca nos llega a interesar ni parece verosímil, por mucho que se vea envuelto en difusas tramas políticas internacionales, en los apuros de su comunidad judía neoyorquina o en arreglar la boda de un amigo .
La falta de diálogos atractivos, la insistencia en primeros planos, hace que el conjunto se haga pesado y reiterativo y que el final se reciba con alivio.

domingo, 21 de mayo de 2017

MARAVILLOSA FAMILIA DE TOKIO

DEGRADACIÓN
Yoji Yamada reemprende su particular homenaje a Ozu, pero esta vez quiere cambiar el "chip" a modo de comedia y las cosas no salen tan bien. El tono casi vaudevillesco de algunas escenas y los ocasionales gags se mezclan mal con el sentimentalismo tradicionalista del original. Lo que en este era reflexión, aquí es un exagerado expresionismo. Por otra parte, el exceso gestual de algunos de los actores, no contribuye a arreglarlo.
¿Entretiene? Sí. ¿Divierte? Mucho menos. Solo la fidelidad al gran maestro mantiene la película. Ojo a las secuelas de las que Yamada es especialista. El tema está prácticamente agotado.

domingo, 7 de mayo de 2017

NEGACIÓN

IMÁGENES Y PALABRAS
En términos simples es una película sobre un juicio del que se conoce el resultado: el relato de la demanda legal en la que Pinguin books y Deborah Lipstad se enfrentaron a David Irving, un seudo historiador de claras simpatías nazis, que negaba el holocausto.
Podría ser una más e incluso no interesar, aunque el tema es apasionante. Pero no es así; con un guion perfecto, que gradúa la intensidad de las emociones en juego y un preciso retrato de caracteres, apoyándose en soberbias interpretaciones, la película se ve como un "thriller" fascinante, que nos embarca desde sus primeras imágenes. Escenarios, gestos y palabras, muchas palabras, pero cuando estas están dichas por un extraordinario elenco, por Rachel Waisz y, sobre todo, por un inconmensurable Tom Wilkinson, todo funciona a las mil maravillas. Cine clásico, estupendo, que produce un enorme gozo mientras se contempla.

lunes, 1 de mayo de 2017

LADY MACBETH

AMORES RURALES
Todos son nuevos para mí: desde el autor ruso del cuento origen del guión hasta el director y los interpretes. Tampoco importa mucho. La película se desarrolla en la segunda mitad del siglo XIX y trata de una joven de origen desconocido (nada se nos explica), que es casada, aparentemente contra su voluntad, con el talludo heredero de un anormal y pudiente terrateniente. La impotencia de su marido despierta en ella una desenfrenada ninfomanía que no se detiene ante nada, aunque eso signifique eliminar cualquier obstáculo que se le oponga. De forma más seria, esto ya lo trató D. H. Lawrence en "El amante de Lady Chatterley". Y no hay más. Hablar de feminismo o racismo, como ha hecho algún crítico, es estúpido. Aquí solo hay una bestial anormalidad que ni siquiera sirve para tapar los agujeros del guión.
Lo único que se puede salvar es la interpretación de la protagonista, esplendida Florence Pugh, la hermosa e intencionada fotografía y la justa, y gracias a Dios escasa, duración de la película.

martes, 25 de abril de 2017

EL HIJO DE JEAN

MAS CINE FRANCÉS
En cierta medida es un "road moovie" personal.Un francés que vive y trabaja en París, casado aunque separado, con un hijo, viaja a Canadá cuando recibe la noticia de que su padre, al que nunca conoció, ha fallecido. Su deseo es conocer a sus hermanos, pero el viaje se transforma en una especie de "thriller", en el que a través de pequeñas pistas y detalles, va descubriendo quien es su verdadero padre. Se trata de una búsqueda íntima, en territorio desconocido, que va modificando su modo de entender la vida, progresando, mejorándola, abriéndola a nuevas perspectivas. Al final, al volver, nada podrá ser igual: aunque el futuro podrá ser incierto, el aprendizaje se habrá completado.
Hermosa película familiar, contada con sencillez por Philippe Lioret, también autor del guión, y con unos actores espléndidos, entre los que destaca Gabriel Arcand, sobrio y creíble.  Ellos son parte fundamental para que la narración, que no excluye la descripción de los viles comportamientos inherentes al ser humano, se centre en los hermosos sentimientos que se desprenden de los vínculos familiares cuando estos se basan en el amor hacia las personas que los componen. 

domingo, 16 de abril de 2017

ROSALIE BLUM

VULGARIDAD
Al igual que en su literatura actual, el cine francés tiene la habilidad de partiendo de una mínima anécdota, hacer una muy vulgar película y venderla como si fuera una obra maestra. Este es el caso de "Rosalie Blum" de Julien Rappenau, una pequeña comedia con tres personajes fundamentales: un peluquero de aspecto cuarentón dominado por su madre, una tendera mayor que él por la que el hombre experimenta un "dejá vu" obsesivo, y una sobrina muy joven con indicios de rebeldía, encargada de averiguar el motivo de la obsesión por medio de un constante seguimiento. El entorno una pequeña y bonita ciudad provinciana, Nevers, en la que todo el mundo se conoce. El resto es puro relleno intrascendente, pues la clave de la obsesión solo se explica en las imágenes finales.
Pese a todo lo anterior, la puesta en escena tiene ritmo y una cierta originalidad (claramente inspirada en "Rashomon"), y como los actores no lo hacen mal, en especial Alice Isaaz, la cosa se puede ver, aunque el final resulte un tanto forzado e inverosímil.

sábado, 15 de abril de 2017

LO TUYO Y TU

AMOR
Moraleja de la película: el amor entre dos personas, el verdadero amor, es un acto de mutua aceptación y este acto de aceptación solo se consigue cuando ellas se admiten tal y como son en realidad, tal y como se ven. El resto, nombres, circunstancias, lo que les rodea, no importa. El conocimiento solo se refleja en la mutua entrega, en la entrega que se está dispuesto a ofrecer al otro. Es como la quintaesencia de una reacción química. Al menos esta es la forma de presentarlo, entre otras muchas, que ha elegido Hong Sang Soo, director y guionista. Un modo hermético, muy oriental, casi abstracto, dejando que, en largos planos, sus personajes se expresen ante nosotros y que planteen su ser no-ser en un continuo juego que es una permanente metáfora. El resultado final, el entendimiento, solo se alcanza despojándose de todo aquello que es accesorio, todo lo que es exterior a ellos, hasta alcanzar el acto sublime de la entrega.

lunes, 10 de abril de 2017

AL OTRO LADO DE LA ESPERANZA

CINE DISTINTO
El cine de Aki Taurismaki es como un áspero papel de lija. Sin grandilocuencia, frota, rasca sobre superficies aparentemente anodinas, y hace brotar lo mejor y lo peor de la especie humana. Aquí enlaza dos historias: la de un refugiado sirio al que las autoridades niegan asilo, y la de un hombre aparentemente solitario, que abandona su hogar y que para recuperarlo, decide empezar una nueva vida, pero al que su gran corazón, siempre abierto hacia los demás tras su adusta corteza, le permite levantarse tras cada nuevo fracaso. La primera recoge crudamente un drama casi cotidiano del tiempo que nos ha tocado vivir. La segunda, impregnada de un ácido humor negro, pone al descubierto los vicios, fallos y lacras de la sociedad finlandesa.
Todo está contado con la habitual sequedad del director, pero esa sequedad es ubérrima, rica, fructífera. Una auténtica delicia en la que no solo la letra, sino también la música, juegan un rol importante para llegar a nuestro corazón.

domingo, 2 de abril de 2017

ES POR TU BIEN

ABURRIMIENTO
El argumento es muy sencillo: tres cuñados (Coronado, Cámara y y Álamo),de distinta y no explicada clase social, tratan de apartar a sus hijas de tres novios que, justificadamente, encuentran indeseables. Los guionistas supieron sacar partido a eso durante los primeros diez o quince minutos, los que el espectador tarda en comprender que esta historia no va a ninguna parte, que todas las situaciones, además de previsibles, son increíbles y además inverosímiles lo que es todavía peor, que la combinación del casting es demencial y que el director, Carlos Theron, no sabe o no va a hacer nada para arreglar el desaguisado. Así, uno acaba por sumergirse en un irritado aburrimiento, en el que lo único que queda claro es la dificultad de hacer una comedia que funcione como tal. Hay momentos en que la solución más razonable sería huir y salir del cine. Menos mal que la película es corta, pero resulta incomprensible que buenos actores, al menos en teoría, no sean capaces de aportar algo que evite tanto tedio y se limiten a repetir sus particulares tics, aunque fuera al margen del supuesto director del engendro. 

jueves, 30 de marzo de 2017

TARDE PARA LA IRA

SUCIEDAD
Con algún retraso me he decidido a ver esta película. Tras algunos justificados éxitos de taquilla, el cine español ha decidido que el género negro es garantía de rentabilidad. Raul Arévalo se ha embarcado en esta historia de venganza, seca, árida, introduciendo la zafiedad y un falso erotismo como nuevos elementos para incrementar su atractivo.
Esta película tiene ritmo y una buena dirección de actores, poco conocidos, que funcionan bien. Pero la ordinariez, la vulgaridad, acaban por imponerse y dan al traste con la verosimilitud. El resultado global es tan desagradable y cutre que acaba por repeler. Es posible que seamos así, o que así se nos vea, pero la vida, la realidad, es mucho más abierta. En cualquier caso, todo cuento tiene su moraleja y además, hay que saber terminarlos. Aquí, cuando todo acaba, uno tiene ganas de escupir, de darse una ducha y de lavarse los dientes.

lunes, 20 de marzo de 2017

EL BALCÓN DE LAS MUJERES

CURIOSIDAD
A veces, para entender una película hay que conocer algo de la gente que retrata. Algo de eso sucede en esta rara muestra del cine israelí, en la que uno no acaba de captar todos los problemas que plantea, como la dependencia de unos fieles de un rabino determinado o la necesidad de alcanzar un número mínimo de fieles para poder rezar en comunidad.
Lo que queda, lo que se nos muestra, es una crítica no demasiado ácida, sobre la intransigencia de la ortodoxía judía y la ambición de poder de un rabino para apoderarse de la parroquia de otro, recurriendo incluso a procedimientos poco éticos y casi delictivos. Inspirada vagamente en la "Lisístrata" de Aristófanes, son las mujeres las que entablan batalla en favor de una religión alegre, solidaria, en contra de una basada en un riguroso y excesivo rigor, que se olvida de las personas y de sus sentimientos. Y todo ello, está contado de una forma sencilla, elemental, casi naif, buscando y consiguiendo, aunque sea en un tono menor, algo que el cine no debe nunca olvidar: entretener.

domingo, 12 de marzo de 2017

LA COMUNIDAD DE LOS CORAZONES ROTOS

¿HUMOR?
Podría tratarse de una película sobre la alienación da una comunidad de vecinos de un HLM en las afueras desoladas de cualquier ciudad. También podría ser un estudio sobre la soledad o la falta de comunicación entre ellos. Pero cuando una cápsula espacial de la NASA se desploma sobre la terraza del edificio y su piloto se ve obligado a integrarse temporalmente en la comunidad, uno se da cuenta que Jules Benchetrit, director, guionista y actor, del que no tengo más referencia que su juventud, nos está contando un cuento surrealista, ocasionalmente teñido de humor, y las piezas del puzle comienzan a encajar. El trabajo de los intérpretes, de todos ellos, sin excepción, hace que se cree una extraña empatía con la película, que, bajo ese punto de vista, un tanto delirante, no está exenta de atractivo. 

martes, 7 de marzo de 2017

EL VIAJANTE

DUREZA
Nada hay en esta nueva película de Farhadi que no sea la realidad pura y dura. Pero la realidad siempre duele. En el caso de esta agresión sexual, que se produce de forma casi accidental, no se nos ahorra nada, y todos los sentimientos que se expresan, vergüenza, humillación, venganza, incluso la constatación de un fracaso personal, están llevados a sus últimos extremos. No  precisa mostrar violencia de forma explícita, la angustia nos atenaza a medida que la trama se desarrolla. No existe amor sino orgullo herido, no hay perdón sino frustración y un permanente rencor. La víctima indirecta se convierte en verdugo, no solo del culpable sino también de toda la gente que le rodea. Serían como los daños colaterales de una guerra, solo que aquí son plenamente intencionados, con conciencia del mal que se causa. Nadie es inocente.
Quizá tanta dureza nos resulta casi insoportable: uno sale con el corazón encogido pero pensando que el ser humano, por imperfecto, se merece algo más de compasión.

lunes, 6 de marzo de 2017

LO QUE DE VERDAD IMPORTA

FRUSTRACIÓN
Las buenas intenciones no bastan para hacer buen cine. Salvo la excelente fotografía y unos actores que le echan ganas, el resto de esta película de Paco Arango es tan increíble que bordea la estupidez. El guión es tan absurdo que solo un genio estilo Capra hubiera sabido como sacarle partido. Cualquier mensaje, por solidario que sea, se pierde en la maraña. No vale la pena ensañarse con algo cuyo fin es decididamente generoso, pero aún así, queda la frustración de que no se haya sabido hacerlo mejor.

martes, 21 de febrero de 2017

JACKIE

DIGNIDAD
Pablo Larrain nos narra de forma distante la vida de Jackie Kennedy los cuatro días siguientes al asesinato de su marido, el presidente. Hay algo que está bien en esta película, la sensación de soledad que transmite el personaje, la percepción de que algo hermoso ha terminado. Pero no hay mucho más: no aporta nada nuevo sobre esos días, no trata la calidad del entorno que rodeaba a la pareja (tan solo se detiene en su hermano Robert), y lo peor es que casi nunca imprime la pasión suficiente a su relato para lograr emocionar al espectador que contempla las imágenes como si se tratara de un noticiario. Tan solo en los momentos en que ella escucha el disco de Camelot, llegamos a identificarnos con la tragedia que está viviendo.
Lo único que mantiene en pie el drama es la soberbia interpretación de Natalie Portman, aturdida, dolorida, a veces infantil, alucinada por lo que ocurre a su alrededor, pero luchando en todo momento por la protección de sus hijos y por conservar la dignidad, tanto la de su difunto esposo como la suya propia.

jueves, 16 de febrero de 2017

LOVING

AMÁNDOSE
Otra historia real. Un auténtico melodrama. Pero esta vez contado de forma emotiva, creíble y verosímil en su presentación cinematográfica. La lucha por abolir la ley que prohibía el matrimonio interracial en algunos estados, el caso Loving contra el estado de Virginia que llegó hasta el Tribunal Supremo de los USA, le sirve a Jeff Nichols para hacer una demostración de su estilo directo, sencillo, sin retóricas, extremadamente eficaz. Para ello le basta con un guión bien escrito y unos actores soberbios sobriamente dirigidos. Uno no sabe que admirar más, si la lacónica cortedad expresiva de Joel Edgerton o la vivaz ternura de Ruth Negga, auténtico motor del matrimonio, apoyados ambos por un brillante elenco de secundarios.
Sin alharacas ni aspavientos, este es buen cine, del que deja huella en el espectador.

domingo, 5 de febrero de 2017

FIGURAS OCULTAS

LA DIFICULTAD DE LA SENCILLEZ
Theodore Melfi, que ya nos dejó una pequeña obra maestra con "St. Vincent" (2014), repite suerte aunque esta vez el tema es mucho menos emotivo y de eso precisamente, se resiente la película. La historia de estas tres mujeres afroamericanas que desempeñaron un papel fundamental en los primeros vuelos espaciales de la NASA, es, en general, mucho menos personal, y los problemas y las vidas de cada una están someramente tratados, sin buscar profundidad. El planteamiento va dirigido a mostrar la discriminación que sufrían las mujeres y, en particular las de color, en bastantes estados de la norte - américa de los años sesenta, sin considerar que en casos como el que aquí se presenta, su educación y conocimientos eran superiores a los de la mayoría de los blancos.
Aun así, el director no ha perdido nada de su estilo. Un guión sólido, una puesta en escena sencilla y eficaz y una estupenda dirección de actores. Las tres mujeres están admirablemente interpretadas (personalmente tengo una cierta debilidad por Octavia Spencer) y Costner, Dunst y Parsons (el de Big-Bang) aportan un considerable apoyo. Película menor si se quiere, pero hacer este tipo de cine que parece tan fácil, requiere mucha inteligencia para hacerlo bien. En este caso, este es su mérito.

lunes, 30 de enero de 2017

LION

DEFICIENTE PROGRAMA DOBLE
Dos películas en una. La primera es un duro documental sobre la difícil y miserable vida de los niños abandonados o perdidos en la India y, en este caso concreto, su problemática supervivencia en los barrios marginales de Calcuta. La segunda es la historia de como uno de esos niños, adoptado casi milagrosamente por una generosa familia australiana, intenta encontrar sus raíces casi olvidadas y a su familia biológica, perdidas para él desde hace más de veinte años.
La primera tiene un interés casi exclusivamente sociológico aunque ese mundo ya nos resulta conocido. La segunda es muy poca cosa, salvo una loa a las grandes posibilidades de Google-Air. No hay profundidad, ni emoción, ni casi sentimientos, ni un buen hacer cinematográfico que sacara partido al melodrama. Pasa, acaba, y uno se va. 

domingo, 22 de enero de 2017

LA LA LAND, LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS

MELODRAMA CON MÚSICA
Te dicen, un musical: una muestra de un género casi desaparecido. Pero una vez visto me entran dudas. Tras un comienzo de deslumbrante coreografía, la película adquiere progresivamente un tono melancólico y se desliza suavemente hacia el melodrama. Hay grandes canciones: aunque son más bien recitados con música y todo musical, trágico o no, debe tener al menos una canción que el espectador recuerde cuando acaba (aquí hay varias pero no lo suficientemente pegadizas). Tampoco la música deslumbra, bien es verdad que ya no existen Porter, Gerswin, Hart, Hammerstein, Loewe y todos los de la gran generación, pero la que oímos está en conjunto bastante bien. Entonces, ¿Qué es lo que hay?
Hay una historia de amor creíble, dos actores, Emma Stone y Ryan Gosling, con buena química entre ellos, que cantan y bailan lo suficiente, con encanto, con ese saber hacer de los actores norteamericanos. Ellos son los responsables de que la cosa funcione junto con un director, Damian Chacelle, que sin llegar por supuesto a la altura de los maestros, sabe que los bailes deben rodarse en plano general, sin trocearlos, para poder verlos y apreciarlos. Hay también algunos nostálgicos homenajes, a Demy y sus paraguas, a Donen, a Minnelli, a los dúos Astaire Rogers e incluso al Moulin Rouge de Baz Luhrman, aunque este me parece un  director  horrible. El gran éxito de esta obra, del que me congratulo por lo que pueda significar de cara al futuro, es fruto también de la añoranza. Para comprobarlo, no hay más que sacar los DVD y ponerse a visionar los que si fueron grandes musicales, los de la época dorada.

jueves, 19 de enero de 2017

COMANCHERIA

CODIGOS MORALES
David Mackenzie ha elaborado un thriller negro con estructura de western contemporáneo en el que hombres y paisajes aparecen integrados en una sombría sociedad violenta que castiga a los más débiles y que solo encuentra un cierto alivio cuando pone en solfa la máxima moral del que roba a un ladrón merece el perdón.
La historia de estos dos hermanos que se dedican a asaltar el banco que pretende arrebatarles una valiosa finca de su propiedad en compensación por un préstamo hipotecario (irrisorio en comparación con el valor atribuido), tiene tantas ramificaciones que lo mismo puede leerse como una apología de los valores familiares que una vitriólica crítica hacia la farisaica sociedad que lo permite. Amparado por grandes interpretaciones (el inmenso Jeff Bridges, Ben Foster, Chris Pine y maravillosos secundarios), un guión solido y un ritmo galopante, el género se reinventa y demuestra su inagotable atractivo.

domingo, 8 de enero de 2017

FRANTZ

EN EL AMOR Y EN LA GUERRA
François Ozon retoma un viejo melodrama antibelicista de Lubitsch, "The Man I Killed", y nos lo devuelve envuelto en una preciosa imaginería en blanco y negro (80 %), con ocasionales irrupciones de color, sin que al espectador se le explique la razón de esos cambios de cromatismo.
La historia de este soldado francés de la GM I, cuyos sentimientos de culpabilidad le llevan a visitar la tumba y la casa familiar de un soldado alemán al que ha matado en el curso de una acción bélica, y acaba enamorándose de la prometida del muerto e integrándose en su familia, funciona muy bien durante las primeras tres cuartas partes de la película. Luego, las mentiras que sostienen toda la situación se confunden con la realidad, guión y dirección dudan que camino tomar, y se produce un cierto desdibujamiento de los personajes, una dispersión de las ideas, que acaba por desembocar en un final ininteligible. Inolvidable, por su sencillez, la interpretación de Paula Beer, doble víctima de la barbarie del conflicto.  

miércoles, 4 de enero de 2017

ROGUE ONE: UNA AVENTURA DE LA GUERRA DE LAS GALAXIAS

DE VUELTA A LOS ORÍGENES
El gran acierto de esta precuela del episodio IV de "La Guerra de la Gaxias", es haber vuelto a los principios de la saga (entregas IV, V y VI), infinitamente mejores que las rodadas bajo los epígrafes I, II y III. Aunque la trama de fondo siga siendo la misma, la lucha de la alianza rebelde contra el imperio, el argumento de como la rebelión se apoderó de los planos de la Estrella de la Muerte, da de sí para que a través de un solido y estupendo guión de Chris Weltz y Tony Gilroy, se consiga crear de nuevo un producto de gran entretenimiento, de maravilloso entretenimiento.
Ya no hay caballeros jedis, ni elucubraciones morales o metafísicas, prima la sencillez de contar bien una historia. Aparecen nuevos personajes tratados con la habilidad suficiente para que nos resulten entrañables y el gobernador Tarkin y Lord Darth Vader siguen tan malignos como siempre. Aun así, el espectador no tiene la menor dificultad de integrarse en la película, porque todo ese mundo ya le resulta familiar. Lo cierto es que la acción y la perfección de los colosales efectos especiales apoyados por una fotografía de enorme calidad, facilitan el ritmo que impone un director, Gareth Edwards, que sin alharacas ni pomposidad, muestra un buen conocimiento de su oficio y de lo que se trae entre manos. El resultado es óptimo, justo lo que se pretendía: una colosal diversión.